Bioarte, instalación y performance: formas holísticas de entender lo humano y no humano

Jasmin Märker - artista visual que trabaja en bioarte, instalación escultórica y performace

Las culturas biológicas, los métodos artísticos como formas alternativas de muestreo ecológico y la teoría crítica, son algunos de los múltiples recursos que impulsan el proceso creativo de la artista Jasmin Märker, quien fue seleccionada para formar parte de nuestro Programa de Residencia Bosque Pehuén entre marzo y abril del 2020 -cancelado debido la pandemia- en el que se había propuesto investigar sobre especies invasoras, formas tradicionales de conocimiento ecológico, además de realizar una serie de actividades de participación comunitaria a través del bioarte (que esperamos pueda desarrollar el 2021). Mientras tanto, conversamos con ella sobre cómo la pandemia ha afectado sus procesos creativos, cuántas cosas nuevas han emergido con el confinamiento, el uso de hongos como materialidad y también sobre su último trabajo.

Fundación Mar Adentro: Parte de tu trabajo lo sitúas en el género del bioarte, que es crear arte con organismos vivos. En particular, trabajas mucho con especies de los reinos microbianos, como hongos, mohos y bacterias. Por ejemplo, Chimera (2017) fue un tapiz hecho a partir de cultivos de Kombucha. ¿Cómo te interesaste por estos materiales específicos? ¿Los cultivas tú misma? y si es así, ¿cómo aprendiste a hacer esto?
Jasmin Märker: Después de terminar el segundo año en la Escuela de Arte de Belfast, tuvimos que mudarnos a un nuevo edificio y nuestra querida escuela de arte histórica fue demolida. En ese momento -a mis veinte años- todavía estaba bastante influenciada por la participación en grupos socialistas. Gran parte de mi arte intentaba transmitir mensajes de izquierda a través de algunas expresiones escultóricas abstractas con resina plástica, látex y metal, lo que me parece bastante divertido ahora. Pero, gran parte del trabajo se perdió por la mudanza y mi ingenuo yo -más joven- decidió que si mis esculturas no podrían cambiar de opinión a otros, al menos deberían ser compostables.
Luego de varias docenas de «Googleos» me encontré con Phil Ross, quien inventó un ladrillo de hongos y que desde entonces ha contribuido mucho al desarrollo de materiales fúngicos. Inicialmente, solo quería encontrar un material de escultura compostable, pero pronto me cautivó la estética de los procesos de crecimiento de hongos. Hubo muchos fracasos. Pero poco a poco, mi estudio se transformó en una configuración similar a la de un laboratorio y me obsesioné con trabajar con todo tipo de microorganismos e incluso con especies más grandes. Se siente como si estuviera creando una asamblea de todos los seres vivos. Con esta fascinación vino también la curiosidad por cómo las culturas humanas se relacionan con las culturas biológicas y, por lo tanto, el interés por la biopolítica y la filosofía ambiental. Estudié medicina por poco más de un año antes de entrar a estudiar arte. No retuve mucha de esa información, pero me atrevo a decir que estos antecedentes me proporcionaron suficiente conocimiento científico para conocer los procesos microbiológicos básicos.

Cuando comienzas un nuevo proyecto, ¿cómo comienza tu proceso creativo? Y ¿cómo ha afectado esta pandemia en tus procesos creativos?
Buena pregunta, siento que mi proceso creativo se ha beneficiado mucho del encierro. Normalmente, tiendo a comenzar con una pieza interesante de teoría crítica. A menudo es un texto que contextualiza los problemas humanos a través de la óptica de la ecología no humana o viceversa, analizo los lentes antropocéntricos a través de los cuales concebimos la naturaleza no humana. Luego, empiezo con exploraciones más prácticas y recopilación de información visual que ponen en marcha el proceso creativo, como paseos urbanos, exploraciones de la naturaleza y experimentación intuitiva de arte y ciencia.
Creo que como muchos otros artistas que conozco, siempre he luchado por hacer un puente entre la teoría y la práctica. A menudo me atascaba en los detalles o me concentraba demasiado en dar justicia a la preposición contextual y eso a veces me impedía confiar en mis ideas. De alguna manera, siempre me sentí culpable por pasar tiempo explorando, en lugar de producir en el estudio, a menos que estuviera en una residencia fuera de casa. Esto es bastante extraño, porque en teoría pienso lo contrario, pero en última instancia, el capitalismo todavía me condiciona a sentir el trabajo en esos términos. Con el confinamiento mi taller cerró, pero afortunadamente igual podíamos salir a hacer ejercicio. La primavera empezaba y creé mi propia residencia, que implicaba buscar comida en bosques y pastizales cercanos. El encierro eliminó la presión de tener que hacer un trabajo, y el pasar tanto tiempo en la «naturaleza» generó muchas ideas e inspiración. Esta experiencia me ha dado más confianza en mis procesos creativos y me ha animado a dedicar más tiempo a este tipo de exploraciones, incluso durante las horas peak del trabajo.

¿La pandemia también te ha llevado a explorar nuevas preguntas?
No creo que los temas que exploro hayan cambiado, pero sí se han vuelto más relevantes. La pandemia mundial destacó el enredo de culturas humanas y no humanas. Si bien este no es un discurso de los principales medios de comunicación, sabemos que existe un vínculo claro entre la pérdida de biodiversidad y el traslado de virus a los humanos como resultado.

¿Crees que el rol del arte ha cambiado a la luz de todo lo que ha sucedido a nivel mundial?
Creo que el arte siempre ha tenido el rol de conectar nuestro mundo exterior con el interior, para reflexionar críticamente sobre lo que otros aceptan como el status quo e imaginar nuevos futuros. El arte tiene una historia de ser muy receptivo y adaptable a las nuevas condiciones. Ahora mismo en el Reino Unido, los artistas se sienten muy frustrados. A medida que los pubs vuelven a abrir y a las personas se les ofrecen vales para «comer fuera para ayudar afuera», los teatros y otros lugares culturales permanecen cerrados con poco o ningún apoyo. El total desprecio del gobierno por las artes se ha vuelto más evidente que nunca. Sin embargo, trato de no despotricar demasiado al respecto y buscar aspectos positivos. Realmente espero que el cierre temporal de los lugares de arte tradicionales conduzca a nuevas ideas para eventos culturales que sean más accesibles para segmentos más amplios de la sociedad. Por ejemplo, acabo de terminar un recorrido de actividades de arte y ciencia al aire libre como parte de un proyecto comunitario que nació del encierro. Además, actualmente estamos organizando un evento de arte que recorre varios géneros en nuestro estacionamiento y que utiliza restricciones de distanciamiento social como inspiración para nuevos formatos de eventos.

Mencionaste cómo tu práctica de arte-ciencia aborda cuestiones epistemológicas y otorga un valor específico a las formas intuitivas de aprendizaje. ¿Cómo incorporas la interdisciplinariedad en tu práctica para promover una perspectiva crítica sobre nuestra relación con la naturaleza?
Siempre he saltado entre disciplinas. En la escuela primaria lo que más me gustaba era el teatro y las matemáticas, y mi profesora un día me preguntó cuál de ellos me gustaría seguir como carrera. Dije ambas y ella se rió. Existe una tendencia a no tomar en serio a las personas que cubren áreas amplias de investigación y cuyos intereses siempre cambian, pero creo que los generalistas son tan importantes como los especialistas. Me derivaron para una evaluación de TDAH (Trastorno por Déficit de Atención e Hiperactividad) en diciembre, lo que explica parcialmente mi falta de compromiso con medios, organismos y disciplinas específicas. Esta neurodiversidad me causó algunas formas realmente erráticas de trabajar en el pasado, pero también viene unida a un pensamiento divergente mejorado. Creo que esa divergencia es lo que siempre me ha hecho preguntarme «¿Por qué?», ​​»¿Cómo sabemos esto?» y «¿Es realmente así?». Mis investigaciones me llevaron a través del trabajo de David Bohm, específicamente Wholeness and the Implicate Order (1980), un filósofo y uno de los físicos teóricos occidentales más importantes del siglo XX. Bohm sugirió que el pensamiento en sí mismo es divisivo e inadecuado para resolver problemas de sostenibilidad. Su trabajo habla de cómo el lenguaje, una extensión del pensamiento, se basa en categorizar y dividir «cosas» para describirlas. Solo porque nuestro lenguaje a menudo no puede comunicar nuestras percepciones en detalle, el arte y la investigación del arte se descartan como subjetivos e incapaces de producir conocimiento. Por supuesto, el pensamiento no es inherentemente malo. El pensamiento nos ha permitido resolver problemas en proporciones manejables, por ejemplo, cómo hacer fuego, pero en algún momento la humanidad comenzó a dividir las cosas más allá de su indivisibilidad y actuó como si estuviera separada de la naturaleza. La creatividad y la tecnología son procesos esencialmente opuestos. La tecnología se ocupa de cómo producir un resultado predeterminado. El proceso creativo une varias perspectivas y temas sin intentar forzar un resultado final y, por lo tanto, es libre de comprender realmente de qué se trata un problema. Las respuestas generales a los problemas de sostenibilidad implican reemplazar los plásticos por plásticos menos tóxicos para permitirnos continuar con nuestras rutinas actuales. Pero no abordan las cuestiones sistémicas fundamentales y los problemas de la psique humana que han producido esta crisis en primer lugar.

Tu último trabajo, Slime Dynamics es muy interesante, particularmente por cómo rompiste las barreras entre el artista y el espectador invitándolos a participar en experimentos ¿Cuáles fueron estas interacciones humano-no humano? ¿Cuáles fueron algunas de las reacciones, comentarios o resultados que observaste en quienes participaron?
Slime Dynamics, parte del NI Science Festival 2020, fue concebido como un proyecto de investigación para explorar dinámicas comunes de comunidades biológicas y territorios humanos y experimentar con formatos de exhibición más atractivos. Tengo el deseo de «hacer» en mi práctica, pero al mismo tiempo es muy impulsado por procesos. No hay nada más emocionante que entrar a mi taller y comprobar mis experimentos para ver cómo evolucionaron. Este es el elemento que creo que tiene la mayor capacidad de fascinar a la gente por mundos no humanos; pero estos procesos permanecen ocultos para el único visitante de la galería. Quería ver si de alguna manera podía combinar ambos, una exhibición de obras de arte y los aspectos experimentales. El proyecto incluyó una serie de talleres durante los cuales se invitó a los participantes a realizar reflexiones psicogeográficas sobre Belfast y traducirlas en experimentos de arte y ciencia con mohos de limo y raíces de pasto de trigo.
Por ejemplo, en un experimento, los participantes representaron áreas que les gustaban dándole al moho de limo «comidas favoritas», y las áreas indeseables fueron marcadas con sal o expuestas a la luz. De manera similar, en los experimentos de pasto de trigo utilizamos suelo salado, suelo neutro y suelo rico en nutrientes para marcar diferentes territorios. Obtuve menos información sobre cómo la gente se relaciona con la ciudad de la que esperaba cuando planifiqué el proyecto. El taller habría requerido algunos ajustes y habría tenido que ser mucho más largo, lo que no encajaba en el formato del festival. Sin embargo, sentí que fue realmente exitoso pues la gente se fascinó por estos organismos no humanos. Muchos estaban realmente perplejos de que los mohos de limo usaran el mismo proceso de toma de decisiones que los humanos. Y recibí algunos comentarios realmente entusiastas sobre cómo habían progresado sus experimentos con moldes de limo después de que se los llevaron a casa. Una persona incluso me dijo que esto era lo más que le importaba sobre algo no humano en mucho tiempo, lo cual fue muy gratificante de escuchar.

¿Podrías comentarnos un poco sobre tu última investigación? Mencionaste que estabas buscando formas artísticas de estudiar los entornos naturales?
Sí, comencé un proyecto llamado Invasion Aesthetics como parte del programa Rapid Residency de Science Gallery Dublin, que derivó del proyecto que había planeado originalmente para Bosque Pehuen. Invasion Aesthetics examina cómo los conceptos estéticos, los sentimientos nacionalistas y las ideologías económicas hacen que las formas de vida sean deseables o pestilentes y, por lo tanto, afectan nuestras decisiones de matarlas o alimentarlas. Usé incursiones en la naturaleza para investigar los diferentes hábitats que los humanos construyen, por ejemplo: jardines, tierras agrícolas y «la naturaleza».
A lo largo de mi investigación, recolecté, prensé y ensamblé material vegetal. Pero en lugar de simplemente pegar las plantas al papel, estoy tratando de crear obras dinámicas que reflejen las complejas relaciones entre especies y, crear hábitats que también consideren las concepciones humanas que las gobiernan. Estoy creando mi propio papel a partir de materia vegetal para representar la vegetación en descomposición a través de la cual emerge nueva vida. También estoy permitiendo que el papel sea colonizado por varios microorganismos, alimentado por insectos y alterado por semillas que brotan de él para reflexionar sobre los organismos que consideramos disruptivos en estos territorios. En cierto modo, veo estos trabajos como alternativas artísticas a los métodos de muestreo ecológico. Mientras que este último usa cuadrantes para contar el número de especies presentes en un área, mis «collages» tienen como objetivo producir una comprensión holística de los hábitats y de los humanos y no humanos que los crean. Sin embargo, estoy muy al comienzo de esta investigación y creo que me llevará mucho tiempo producir trabajos realmente exitosos.

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Jasmin Märker. Artista visual nacida en Alemania radicada en Belfast. Trabaja en secciones transversales de bioarte, instalación escultórica y performance. Tiene una licenciatura en Bellas Artes de la Escuela de Arte de Belfast y desde entonces ha expuesto en Irlanda, Reino Unido, Suecia y Portugal, y ha realizado varias residencias explorando temas de arte y ciencia. Su práctica implica colaboraciones con organismos no humanos para explorar enfoques holísticos de la sostenibilidad.  Sitio web: http://www.jasminmarker.eu/

La ilustración que aparece al inicio de esta entrevista fue realizada por Constanza Salazar.