Animar personajes en un mundo incompleto

Marcos Sánchez, artista


Entrevista a Marcos Sánchez, artista.
Artista visual, animador y cineasta, por estos días participa en el Festival Ars Electronica 2021 como parte de la plataforma Polygonal Forest de FMA. En esta entrevista, Marcos reflexiona sobre el modo en que usamos la naturaleza para pensar sobre nuestros propios comportamientos, la influencia en su trabajo del cine de terror y la literatura fantástica, ver la obra como un ente individual y cómo abordar el proceso artístico para obtener resultados nuevos e inesperados.

Fundación Mar Adentro: Como artista transitas y creas a partir de una gran variedad de técnicas y disciplinas, como pintura, dibujo, animación y video. Has mencionado que traducir cosas de un formato a otro es un modo de encontrar nuevas figuras, imágenes o formas de trabajar, que te renuevan o permiten pasar a otro tema. ¿Cómo transitas de un formato a otro en la realización de tus obras?

Marcos Sánchez: Sí, alguna vez mencioné lo de transitar entre varios formatos pero ahora hago cada vez menos eso. Me he ido enfocando de a poco en el dibujo y, aunque si bien hago obras tridimensionales, ahora tienen mucho más que ver con el dibujo que con la escultura.
La diversidad de técnicas tiene que ver con pensar cada obra como un ente individual y no como una proyección de mi persona o modo de hacer. Aunque es finalmente inevitable, trato de no asumir un modo personal de hacer las cosas sino que repensar mi acercamiento a la obra para sorprenderme a mí mismo. Ese traspaso de un formato a otro también implica un aprendizaje que por un lado es interesante porque satisface mi curiosidad y por otro porque dificulta y entorpece el resultado, dando paso a resultados nuevos e inesperados, no perfectos.

Hay tensiones presentes en varias de tus obras que se manifiestan en diversos modos de representación. ¿Qué relevancia tienen las polaridades en tu trabajo y el dar cuenta de ellas como una característica esencial de la vida misma?
Para mí la contraposición de elementos es clave. En mi caso el contraste es muchas veces notorio y poco sutil, evidente. Pero aunque sea sutil o casi imperceptible, el choque de elementos es para mí lo que hace que una obra sea interesante, intrigante y no ofrezca respuestas simples. Quizás es porque refleja esa característica ambigua y contradictoria que mencionas tú como algo inherente a la realidad en la que vivimos.

En muchas de tus obras utilizas animación cuadro a cuadro para crear personajes que habitan en un espacio oscuro e indefinido. ¿De dónde surge la inspiración para estos trabajos?
La inspiración inicial de esos trabajos está en los acetatos de animaciones análogas. Son láminas transparentes sobre las cuales se dibujaban los personajes separados del fondo, para montar las distintas capas y luego hacer las modificaciones necesarias para generar movimiento. Si uno mira los acetatos como objetos, fuera de la película, ve a los personajes “en el aire”, muchas veces interactuando con elementos que no aparecen con ellos ya que están en otra capa de acetato, dibujados aparte. A partir de eso se me ocurrió animar personajes que vivieran en un mundo incompleto como ese. Esas animaciones las proyecté sobre un muro en una exposición. Luego, al ver esas proyecciones en el computador, apareció el fondo oscuro, que cobró protagonismo. Eso, pienso, activó en mi cabeza imágenes provenientes del cine negro de los años 40 y 50, del cual vi mucho en un momento. El uso que este cine hace de las sombras y el negro aparece en mis videos de animación y se vuelve protagonista. Me interesa mucho la idea de la sombra en la literatura fantástica y el cine de terror también, la idea de lo desconocido o el doble.

En la versión 2021 del Festival Ars Electronica, tu trabajo “Reflejo” se expone como parte de Polygonal Forest de nuestra fundación. ¿A partir de qué proceso nace esta obra y cómo la fuiste desarrollando?
Conversando con la curadora, hablamos de utilizar imágenes de Bosque Pehuén. Ya en otros trabajos he intervenido video con animación, así que decidí abordar la obra desde esa metodología. Las grabaciones del video provienen de material documental grabado por Víctor Leyton, que registró tomas espectaculares de las araucarias. Además, mezclé esas imágenes con imágenes de archivo tomadas del archivo Prelinger, un archivo público de videos antiguos que está disponible en el Internet Archive y que he usado otras veces. Mi idea era “fantasear” a partir de este material documental y plantear una realidad nueva a partir de imágenes ante las que, creo yo, somos un poco inmunes. Las asumimos como un registro, a veces embellecido, pero siempre como un registro objetivo que no permite mayor reacción que la admiración de la naturaleza.

En “Reflejo” la naturaleza aparece inscrita en géneros narrativos, con referencias a los cuentos de hadas. ¿Desde cuándo comenzaste a interesarte en esas temáticas?
Me ha interesado la mitología de los cuentos de hadas desde que estaba en la escuela de arte, aunque últimamente no me había encontrado pensando en esas cosas. Para este trabajo leí algunos textos contemporáneos sobre los bosques y me llamó la atención cómo incluso hoy usamos a la naturaleza para pensar sobre nuestros propios comportamientos. El bosque como una sociedad ideal a imitar, por ejemplo, aparece mucho. Luego, las mitologías antiguas también hacen algo parecido, personificando o deificando a las distintas especies, relacionándolas con distintos aspectos del ser humano, ya sea por su forma, color, olor, comportamiento, etc. En estas mitologías se habla, por ejemplo, de árboles que portan el espíritu de un ser humano en particular, de plantas buenas relacionadas con la medicina y de plantas malas relacionadas con la brujería. O el mito romántico de las flores que crecen allí donde murió alguien, soldados, amantes, etc. Me interesan esas ideas porque hablan de lo que está más allá de lo que podemos conocer objetivamente y porque nos revela más a nosotros como observadores que a la naturaleza como objeto. Eso último, para mí, corresponde al trabajo del científico.

Has realizado videoclips para bandas de música como The Breeders y la chilena Prehistóricos. ¿Cómo ha sido esa experiencia y de qué modo se ha vinculado con tu trabajo como artista visual?
Mi experiencia con el videoclip animado ha sido muy satisfactoria ya que han sido siempre proyectos en los que he tenido total libertad creativa. Tampoco han habido exigencias “promocionales” como el que aparezca obligatoriamente la banda o de que el video trate alguna temática en particular. No diferencio para nada estos videoclips de mi trabajo como artista visual.
En el caso de The Breeders, por ejemplo, Kim, la vocalista y compositora, había visto un trabajo mío anterior y me pidió que usara una técnica similar para una canción relacionada con el horror. En el caso de Prehistóricos, la letra de la canción me sugirió una historia de fantasmas y técnicamente profundicé en un método que había usado anteriormente para una instalación de video. Esa misma técnica la usé recientemente para un cortometraje animado que acabo de terminar. Quiero decir con esto que he podido profundizar siempre en temáticas que me interesan personalmente.
Por otro lado me gusta mucho trabajar con música y he tenido la suerte de trabajar con excelentes artistas. La música aporta sensaciones, sugiere sentimientos e incluso estructuras narrativas con las que uno puede trabajar y armar o desarmar las ideas.

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Marcos Sánchez
Artista visual, animador y cineasta. Su trabajo visual se centra en el dibujo, la animación, la pintura y derivaciones de estas disciplinas. Como cineasta ha dirigido ficción para televisión, cortometrajes y videoclips. Su trabajo audiovisual ha competido en festivales como el Festival de Cortometrajes de Clermont-Ferrand, el Festival de Animación de Ottawa, el Festival de Cine de Leeds, entre muchos otros. En 2019 dirigió un videoclip para la banda The Breeders. Su trabajo ha sido distinguido con un cubo de bronce en el ADC Awards 2021 en Nueva York y con un premio a la Excelencia en el Japan Media Arts Festival del 2021.